Batman ha muerto. Con RIP, terminó (en teoría) una etapa en DC para dar paso a otra. Bruce Wayne, el multimillonario que con la caída de la noche se convertía en El Hombre Murciélago, ya no está con nosotros. ¿Qué ocurriría en las series regulares del personaje?; ¿Cómo se abordaría el “final” de esa época?.

DC decidió que había que repetir algo que se antojaba irrepetible y que reunió a Alan Moore con Superman en ¿Qué sucedió con el hombre del mañana?. De dicha historia deberé hacer una reseña algún día, pero no es momento para hablar de Superman, sino de su antónimo superheróico. Porque si El Hombre de Acero tuvo a Moore, Batman no le va a la zaga: Neil Gaiman. Bueno, seguramente muchos pensarán que sus últimos acercamientos al mundo del cómic superheróico no han sido demasiado productivos, pero tiene ese halo casi mesiánico que acercará a cientos de lectores a comprar el cómic. Sobre todo si acompaña a los lápices, Andy Kubert.

La historia

Gaiman juega con la idea de que algún día deberá morir Batman. Pero no nos muestra la muerte, sino el velatorio, el duelo por la pérdida. Amigos y enemigos a partes iguales se reúnen para el último adiós. El lugar elegido, El Callejón del Crimen. A partir de este momento, todo puede ocurrir…y ocurre.

Será porque tengo reciente Batman RIP o porque soy un converso al personaje desde los tiempos de Norma (hace poco por tanto), pero el caso es que he leído la historia que quería ver para el final del Señor de la Noche. Para ello de tuve que olvidarme los miedos típicos del lector cuando sabe que no es ni de lejos la última historia del personaje. Siempre que escuchamos algo de la muerte de un personaje, pensamos que luego se arreglará todo con una chapuza y que lo leído será “agua de borrajas”.  No es el caso, porque no pretende ser el verdadero final, sino como debiera ser ese duelo hipotético de los que le aman y odian. Quitaremos el “odian” porque está claro tras leer las dos partes que ni sus peores enemigos pueden vivir sin él.

La historia, dividida en dos y que en los USA se publicó en Batman #686 y Detective Cómics #853, nos llevará a preguntarnos no quien es Batman, sino los que le rodean. Cada uno de sus allegados (amigo o villano), narrará el particular final del personaje, siempre de acuerdo con la fuente de la información. Selina, Alfred, el Joker, todos escuchan el resto de relatos y pasan a ser protagonistas del suyo junto con Batman.

De forma inteligente y sutil, Gaiman nos va introduciendo en una atmósfera llena de pequeños homenajes a épocas pasadas del personaje y creando las herramientas para que todos imaginemos a nuestro protagonista en su final. Cuando vemos terminar el paso de personajes dando el último adiós a Batman y nos acercarmos al final del viaje, se encoge un poco el corazón. Seguramente con demasiado toque sensiblero, pero efectivo, Bruce Wayne uno de los mejores detectives del mundo, entiende lo que ha pasado y echa el telón…para dejarnos una página final impagable. Sin saberlo, me encontré recordando el final de la película “El Curioso Caso de Benjamin Button”. Todo muy alegórico y lleno de simbolismo.

No puedo terminar sin hablar de la relación con “Superman; ¿Qué le sucedió al hombre del mañana?”. Dos épocas distintas, personajes distintos, guionistas distintos, pero la sensación de leer algo grande. Estoy seguro de que “¿Qué le sucedió al cruzado enmascarado?” se le puede catalogar de primo hermano de la historia de Superman. Quizás sin tanta brillantez y sensación de grandeza, pero Gaiman ha puesto el listón muy alto para que otros intentan arrebatarle el título de la mejor historia para el fin de Batman.

VALORACIÓN:

GUIÓN:7,5 DIBUJO:8

Otras reseñas del cómic

Zonanegativa

Operación Mandril

“Siempre hay derramamiento de sangre”

Los amantes del paleofuturo o retrofuturo están de enhorabuena con la publicacion de Terminal City, miniserie del sello Vértigo, cuya aparición en los USA data de 1996. Durante nueve entregas, Dean Motter y Michael Lark, nos muestran la vida (y muerte) en Ciudad Terminal.

Decimos que es todo un regalo para los amantes del paleofuturo, porque en toda la miniserie nos muestran cómo sería la ciudad del futuro…vista en los años 20. La primera impresión es estar frente a Metrópolis, de Fritz Lang. Robots, rascacielos inacabables y, sobre todo, la sensación de quien está terminal es la propia sociedad que habita la ciudad.

Dean Motter consigue crear la sensación de que Terminal City existía mucho antes de que comenzara a narrar su historia. Terminal City comienza eligiendo un momento concreto, abriendo una ventana a la ciudad y cerrándola al terminar la trama. Una de las claves para lograr este efecto, es no centrar la acción en un único personaje, sino en crear una obra coral, donde los personajes/habitantes de la ciudad vienen y van. Es cierto que tenemos a tres/cuatro personajes que van hilvanando la acción. Cosmo Quin (La Mosca Humana), B.B, Charity…a través de su pasado y su presente, van dando cuenta del ritmo de la ciudad.

A ratos consigue recordarme a Top Ten, la serie de Moore, o incluso a Watchmen, no por la historia sino por la forma de encarar a personajes y escenarios crepusculares. Motter, quien parece dado a las ciudades “retro” (antes describió la maravillosa Radiant City en Mister X en los ochenta. En esta ocasión, la trama se inicia con la aparición de una maleta, la misma(o no) aparecida en el mismo momento en el que Cosmo Quin caiga en desgracia y pasaba a ser un simple limpiacristales. Con toques de serie negra, vamos viendo que la maleta es del interés de prácticamente toda la ciudad. Mucha de la acción se desarrolla en un club, algo que me traslada a Casablanca y al Rick’s.

Cuando termina, uno sabe que hay decenas de historias por contar, ya sea del pasado, presente o futuro. Finaliza sin estridencias, como la vida misma, tratando a los personajes como seres anónimos para el resto de habitantes de Terminal City.

VALORACIÓN:AA

Una extraordinaria obra. Recomendable

Llego a la precuela de Top 10 con mucho retraso. La novela gráfica se publicó en los USA en 2005 y, cuatro años después llega a mis manos la edición de Norma. Tenía una deuda con Top 10, ya que desde la publicación de los primeros números por parte de Planeta, la había dejado de lado. De hecho, cuesta ahora recordar a cada uno de los personajes de Neopolis. Quizás sea el momento de volverla a leer.

El caso es que The Forty-Niners es la precuela, la génesis de esa sociedad de ciudadanos con superpoderes. Alan Moore, acompañado de Gene Ha, nos transportan a los años posteriores al final de la Segunda Guerra Mundial. Después de haber luchado y ganado una guerra, los superhéroes no tienen cabida en la rutina diaria. En tiempos difíciles se necesitan seres extraordinarios, pero cuando se trata de llevar una vida normal, esos mismos que parecían imprescindibles, se convierten en innecesarios. Molestan y nadie los quiere cerca.

La solución, una ciudad, al estilo de Metrópolis (la de Fritz Lang, no la de Superman), donde irán acomodándose los excombatientes. No sólo eso, sino que tendrán sitio todo tipo de seres que no pueden ser catalogados como “normales”.

Alan Moore, al que nadie le discute, nos trae un cómic un poco sosito, donde el único interés está en ver cómo es esa ciudad por dentro en sus primeros años. Parece hacernos testigos de un episodio mas dentro de Neópolis, como si fuéramos un visitante que pasáramos una temporada allí. Muy poco para ser quien es el guionista. Si, está claro que engarza muy bien la acción, nada hay suplerfuo o fuera de lugar y la trama se desarrolla sin problema. Pero casi no desarrolla personajes y se limita a enfocar la cámara y mostrar lo que ocurre en ese momento, algo que no es fácil y no todos logran, pero seguro que puede dar mucho más. Tiene buenos momentos y no llega a aburrir, pero parece mas una película costumbrista que otra cosa. Está claro que es un cómic de autor y que nada tiene que ver con el mercado americano.

La serie ganó el Eisner de 2006 a la mejor novela gráfica de nueva publicación, pero muchas veces estos premios se dan por el nombre mas que otra cosa, sobre todo cuando está fuera de los premios estrella.  

El apartado gráfico, roza lo perfecto, con una sensación de estar viendo la misma realidad. Mucho mejor el dibujo que el guión.

VALORACIÓN:B-

Esperaba mucho mas de la miniserie. Una lectura sin mucho interés

No conozco si el resto de aficionados al cómic tienen tan claro cual debe ser la compra imprescindible de este Salón del Cómic’09: La Broma Asesina. El primer año de publicación, 1988, no teníamos intenet ni redes sociales ni descargas piratas…ni blogs ni webs que nos hablaran de cómics. Ahora, llenaríamos páginas y páginas en hablar de esta excepcional obra. Y no sería en vano. Todo lo que se diga, seguro que es poco.

Razones tengo varias, sin que el orden indicado supongan una clasificación de las mimas.

1. Su precio: 10 euros. La edición Absolute, con algo de material extra y un tamaño al estilo europeo, lo merecen. Pocos cómics marcan tan pocos euros en su contraportada.

2. Los autores. Alan Moore es un genio. Y encima conoce como escribir una historia que quepa en un sólo cómic. Nada de subtramas complejas y que afloran en el último suspiro o esos argumentos que son mas largos que el campo de futbol de Oliver y Benji, alargados artificialmente pensando que así aguantan el suspense. Duro, directo al hígado, golpeando con furia tu rostro sin descanso. Y lo mismo se puede decir de Bolland. IMPRESIONANTE. Da gusto ver cómo sabe centrar la atención del lector en lo importante, en transportarnos dentro de la propia viñeta.

3. El Joker. La primera vez que he tenido la sensación de “menudo cabrón malnacido”. Anarquista, loco…su aparición en la casa de Gordon, lo mejor del cómic de superhéroes de los últimos veinte años. Ya quisieran en Marvel tener un psicópata de esta altura. Si algún personaje puede dar miedo, éste es el elegido.

4. Barbara Gordon. La víctima del juego de Batman y El Joker. Una de las mejores “no muertes” del mundo del cómic. A ver si aprendes Charles Xavier, Iron Man o el propio Bruce Wayne, de lo definitivo que es quedar minusválido.

5. El final. Redondo para un cómic perfecto.

6. Las reflexiones del Joker. Él está loco porque no soportó la horrible realidad y quiere que aquellos que le persiguen le entiendan. Y sabe que Batman no es Batman por hobby, sino que algo hizo también “click” en su cabeza.

7. El Western de Batman y el Joker. Son los dos pistoleros que saben que algún día se enfrentarán a muerte. Tan alejados y cercanos, unidos como parejas de un baile que nadie mas entiende. Ni siquiera ellos.

8. El caprichoso destino. El Joker nunca imaginó su vida así. Tampoco Batman. Ni Bárbara. Pero no todo sale como uno quisiera.

9. Remasterización. Sólo tenéis que pinchar aquí para comprobar lo que ganamos con la nueva publicación,

VALORACIÓN:AAA

Como diría Sócrates, “sólo sé que no sé nada”. O lo que es lo mismo, soy un ignorante. Consciente, pero ignorante. Y la causa de mi ignorancia la tengo localizada: Los primeros años del cómic de superhéroes. Vale, ahora tenemos los showcase de Planeta y decenas y decenas de artículos en webs y alguna que otra revista, haciéndose eco de aquellos “tiempos dorados”.

Es tal mi desconocimiento del tema, que comencé por buscar de donde provenía el término “Golden Age”. Es curioso, pero en casi todas las religiones y culturas, se habla de esa época dorada, llena de paz y donde el mal no habitaba. Todo cambiaba cuando el hombre comenzaba a hacer de las suyas.

Una de las culturas que mas habla de esa época dorada, es la griega. De su mitología, una de las que mas nos atrae, es la de Pandora. Si, ella es la responsable de que el mal campe a sus anchas por el mundo. Al abrir la caja con su nombre, nos dejó el mundo que tenemos. Guerra, codicia, hambre…todas las plagas y pecados, tienen el origen en aquel repiciente entregado a la mujer. Menos mal que en el interior quedó la esperanza, o eso es lo que creemos, claro. En fin, podíamos hablar y hablar de mitos, leyendas, religión y quien sabe hacia donde derivaría la conversación. Pero nosotros estamos para hablar( o intentarlo) de cómics y ya nos hemos desviado bastante de tema.

El caso es que la Golden Age, parece esa etapa en la que todos hubiéramos deseado vivir y experimentar. Unos pocos años prodigiosos, del 38 al 40, cambiaron el mundo de la historieta. Hombres y mujeres arquetípicos, inspirados en los dioses griegos y en la imaginación fértil de aquellos primeros creadores, invadían las páginas en color de aquellos cómics. Como ocurre en los primeros tiempos, todo era locura, algo de improvisación y mucha, mucha inspiración. Los nombres de editoriales como Timely, All American Cómics, DC, Fawcett Cómics, Quality Cómics…son las mas conocidas, pero había muchas otras, con personajes que aparecían y desaparecían, con historias de juicios y derechos, de ventas de personajes y editoriales…era el momento y el lugar donde crear leyendas. Aunque no todas lo consiguieron.

Project Superpowers, retoma la historia de algunos de los personajes de aquella época. Crestwood, Nedor y Fox cómics son tres de aquellas editoriales que no consiguieron sobrevivir. La sentencia que supuso el Cómics Code Authority para los cómics de superhéroes, acabaron con ellas y muchas otras. Algunos personajes, como Blue Beetle, lograron sobrevivir en otras editoriales. El resto, al cajón de los olvidados.

Y llegó Terra Obscura

Alan Moore, quien con Watchmen nos mostró cómo serían los superhéroes de la Golden Age en la actualidad, adaptó para Tom Strong algunos de los personajes de Nedor. Moore, se adelantaba a lo que nos esperaba en unos pocos años: la recuperación de aquellos personajes. Tras él, y siguiendo su estela, llegaron Los Doce, de Straczinsky (otro de esos guionistas alabados por la crítica).

Los Doce, Timely y Alex Ross

Los Doce, suponía regresar a los últimos tiempos de la Golden Age. Timely Cómics, el germen de la Marvel actual, como el resto de editoriales de la época, creaba personajes por doquier. Casi todos quedaron olvidados, como hemos comentado ya. ¿Cómo recuperarlos e insertarlos en la época actual?. El Capitán América y su periodo de animación suspendida, nos daban la solución; Todos aquellos personajes, en hibernación hasta nuestros días, dejaron la época de la Golden Age y se ven transportados a otra bien distinta. En los mismos términos, Wildstorm Armaggedon, nos mostraba como aquellos héroes de la Segunda Guerra Mundial, vivían en una realidad virtual. Y despertar en la actualidad, era hacerlo en una época dialmetralmente distinta a la que dejaron atrás. La inocencia y los ideales, puestos al servicio de las conspiraciones, intereses de los gobiernos y corporaciones.

Hablo de inocencia e ideales para enlazarlo (con un poco de forceps) con el trabajo de Alex Ross. Desde Kingdom Come, me ha parecido que busca mostrar cómo es un superhéroe cuando los ideales quedan atrás, cuando el hastío de intentar hacer el bien se hace tan grande, que se le hace pesado levantarse y seguir actuando como un héroe. La época de los años dorados, acabó. Y es duro para aquellos que vivieron los mejores tiempos para los superhéroes. En sus ilustraciones, deja claro la grandiosidad y presencia de esos personajes. Dioses hechos hombres.

Project Superpowers

Combatiente Americano, Terror Negro, Lama Verde…son personajes cuyos derechos no pertenecen a ninguna editorial. Y Dynamite Entertainment, se decidió a recuperarlos. Y no parece mejor forma que la de tener a Ross en el proyecto. Sólo por las ilustraciones, merece la pena comprarlo. Pero el guión es bueno. Un motivo perfecto para comprarlo.

Dividido en dos volúmenes, Panini publica los cuatro primeros números de una historia que narra el regreso de aquellos superhéroes a la época actual. Con Krueger y Ross como responsables del proyecto, veremos como aquellos primeros héroes, surgidos en plena guerra mundial, respondían no a una generación espontánea, sino que tenían una relación directa con cierto objeto mitológico del que hablamos al inicio. Frente al mal, esperanza.

Con una primera parte muy, pero que muy buena, vemos cómo el Combatiente Americano debe encerrar a los superhéroes en la caja de Pandora, siendo ésta la única manera de que también regresen a ella los males que asolan la tierra. El número cero, ambientado en el frente europeo de la Segunda Guerra Mundial, recuerda a los cómics de la Golden Age (los que estaban centrados en la guerra), pero al que se le ha despojado la inocencia y somos capaces de ver mas allá del velo de la ingenuidad. Son esas primeras páginas las que me engancharon al cómic; El mensaje de cómo terminó aquella época dorada y de los sacrificios del Combatiente para detener al mal, son otra forma de ver el final de aquello. 

Con ese inicio, empezamos a ver las consecuencias de aquello, entendiendo que “el infierno está repleto de buenas intenciones”. La historia pierde ese aire “trascendente” e importante cuando la trama se centra en las consecuencias, pero no decae tanto como para no esperar el siguiente tomo.

VALORACIÓN:AA

De lo mejor del mes.

video aquí.

Planeta quiere que la cuesta de Enero llegue en Junio. Impresionante el listado, con la JLA de Morrison, los All Stars de Superman y Batman, Fábulas, Green Arrow de Smith…¡la ruina, señores!

Nota de prensa

- Hay muchas dificultades”
- “Demasiadas”
- “¿Entonces, nos vamos?”
- “No, … Reduciremos las dificultades”

Tomaremos prestado este diálogo de “los siete magníficos” para presentaros las novedades para este Salón. Espectaculares como los atardeceres en Texas, imprescindibles como una buena pelea en el Saloon, fabulosas como la presencia de John Wayne. El buen cómic, como los western, siempre están presentes.

John Sturges, con sus “siete magníficos” no hubiera buscado elenco mejor que los siete mangas que os presentamos: Historia de un vecindario, lo nuevo de Ai Yazawa, la exitosa autora de Nana, que nos presenta una historia de amor, amistad  y… moda!, Team Medical Dragon, de Taro Nogizaka y Akira Nagai, un manga que se ha llevado a la televisión en dos ocasiones, y que es un éxito allí donde se publica. Lady Snowblood, de Koike y Kimimura, el manga que inspiró a Tarantino uno de sus capítulos de Kill Bill, Hana Kimi, de Hisaya Makajo, un shojo de cambio de identidad que provoca sonrisas, Romance Killer, un negrísimo manhwa coreano de Doha Kang  y los esperadísimos Pluto, de Naoki Urasawa y el Monster Kanzenban, la mejor manera de hacerse con unos manga considerados imprescindibles… tanto como un colt en un duelo.

Sam Peckinpah hubiera dado media vida por tener alguno de estos superhéroes en su Grupo Salvaje, como el Green Arrow de Kevin Smith, a la espera de la película que mejor que echarle una ojeada al cómic, algunos de los superhéroes que pueblan Crisis Final, de Grant Morrison, Pacheco y J.G.Jones, o los escarabajos azules y mutantes que transformarán a Jaime Reyes, un auténtico tejano, en Universo DC: Blue Beetle. La épica en estado puro, como un western crepuscular, la pone JLA de Grant Morrison, y el honor, los caza recompensas y la dignidad vienen de la mano y la espada de Usagi Yojimbo, de Stan Sakai.

“El mundo se divide en dos, Tuco: los que encañonan y los que cavan. El revólver lo tengo yo, así que ya puedes coger la pala”. Sergio Leone nos dio lecciones de cómo hace una buena del oeste fuera de Texas, y nosotros, que de buenos, feos y malos tenemos un rato, os presentamos nuestra particular galería. Buenos, como no, tenemos el Superman: Juicio Final, de Jurgens y Loeb, que recoge la historia del ser que acabó con el hombre de acero, y a nuestro caballero oscuro preferido de paseo por la ciudad condal, Batman: Barcelona. El Caballero del dragón, de Mark Waid y Diego Olmos. Bastante feos pero con buen fondo, aunque sea muy, muy hondo, tenemos a Karl y Klee, de Silvio Speca, un western animal que se inspira en el spaguetti western de Leone, y el Hellblazer de Brian Azzarello, con un John Constantine que cada vez se parece más al personaje del Forastero de Clint Eastwood. Y nos faltan los malos, los verdaderamente malos… el malo por excelencia tiene la cara del Joker de Azzarello y Bermejo, y en su formato absolute, el Joker de La Broma asesina, de Alan Moore y Brian Bolland. Mal en estado puro.

Solos ante el peligro tenemos a los de la línea de producción propia… Pero emulando a Gary Cooper en la de Fred Zinnemann, se tiene que ser muy bueno para plantar cara a los grandes tótems. Buenos, son los dKiller Panda, que presentan nuevo libro, Los cuentos de Poe, para celebrar el bicentenario del nacimiento de este maestro del terror, con todo el universo imaginativo de los Dkiller Panda a su servicio. Buenos, eran los marineros del Endurance, con Shackelton a la cabeza, excelentemente retratados en el cómic de Luis Bustos, en un hermoso homenaje a la valentía y la voluntad, como un western de los de antes. Buenos y sentimientos profundos son los que destilan las Bacterias de Calo, un preciosista relato del dibujante levantito sobre el papel del hombre en el mundo.  Y solo, terriblemente solo, como únicamente los héroes del western lo están, se encuentra Harek, en La Sangre de las Valquirias de Victor Santos y Pere Perez.

Acabamos este recuento de novedades, con una de las frases que mejor resume el mundo del western, y porqué no, también el del cómic:

Si pierdes la cabeza y abandonas, entonces ni vivirás ni ganarás. Es así de simple.Creo que Clint Eastwood, el fuera de la ley, podría habérsela dedicado a todos los editores, dibujantes, lectores y seguidores que hacen que este Salón del Cómic sea lo que es.

Buen Salón, buenas novedades.